ウィーン時代の作品と造形の変化

会場に入ると、大広間の中央に《青釉鉢》が置かれている。鮮やかな青と、薄く外へ開いた端正な形。

ルーシー・リー《青釉鉢》 1980年頃　井内コレクション（国立工芸館寄託）　撮影：品野 塁

ここから展示は、リーが制作を始めたウィーン時代へと遡る。1902年にウィーンで生まれたリーは、ウィーン工芸美術学校でミヒャエル・ポヴォルニーに陶芸を学んだ。

19歳で出会ったろくろは、その後のリーの制作を生涯にわたって支える造形の核となった。ろくろで器の形をつくり、その回転を利用して釉薬を施し、表面に線を刻んだ。後年の鉢に施された円環状の文様も、ろくろの動きと深く結びついている。会場で流れる映像のなかで、リーは「ろくろを回しながら死んでいきたい」と語っている。

撮影：黒目写真館　画像提供：東京都庭園美術館

当時のウィーンでは、建築や家具、衣服、日用品を分けず、生活全体をデザインする考え方が広がっていた。会場には、ヨーゼフ・ホフマンや上野リチ・リックスら、同時代のウィーンで活動した作家の作品も並ぶ。形、色、模様を切り離さずに考える当時のデザイン感覚は、リーの器にも通じている。

ルーシー・リー《鉢》1926年頃　個人蔵　撮影：野村知也

ウィーン時代の作品は一様ではない。1926年頃の《鉢》は、鮮やかな色彩と、花びらを思わせる薄い口縁が印象的で、後年のリーをどこか予感させる。

一方、1930年代の《深鉢》や《皿》は、厚みと量感を備えた、重厚で力強い造形だ。1926年頃の《鉢》にあった鮮やかな色彩や薄い口縁から、一度別の方向へ進んだようにも映る。同時期の《白釉カップ》の表面には、後年の作品にもつながるピンホールがすでに現れている。

リーは、一般には素焼きの後に施す釉薬を、まだ焼いていない素地にかけ、一度で焼き上げる方法をウィーン時代から試みていた。素地と釉薬を同時に焼くこの制作方法は、器の表面に現れる斑点や穴、釉薬の質感を考える手掛かりにもなる。

ロンドンへの亡命と陶製ボタン

ユダヤ系の家庭に生まれたリーは、1938年、ナチスによる迫害を逃れてウィーンを離れ、ロンドンへ亡命した。

撮影：黒目写真館　画像提供：東京都庭園美術館

ルーシー・リー《ボタン》(一部) 1940-50年代　公益財団法人岡田文化財団パラミタミュージアム蔵

1940年代、戦時下で作陶を続けることが難しくなるなか、リーは生計を支えるため、服飾用の陶製ボタンを手がけた。
当初は一つずつ手作業でつくっていたが、需要の高まりに伴い、石膏型を用いた量産へと移行した。スタッフが型に粘土を詰め、リーが釉薬を施す分業も取り入れられた。

会場に並ぶボタンは、色も模様も実にさまざまだ。表面が滑らかなものもあれば、細かな凹凸をつけたものもある。リーは依頼主から渡された生地見本に合わせ、短期間で釉薬を調合したという。器で培った釉薬の知識が、服飾の仕事にも生かされている。

リーはボタンのほか、ブレスレットやネックレスなどの装身具も手がけながら、作陶を続けた。

異なる陶芸観との出会い

ロンドンで制作を続けるなか、リーは、イギリス陶芸を代表するバーナード・リーチと出会った。日本や中国、朝鮮の陶磁器に学び、東洋と西洋の陶芸を結びつけようとしたリーチは、当時のイギリス陶芸界に大きな影響を与えていた。

リーチは当初、リーがウィーンから持参した器を「釉薬が厚すぎる」「器体が薄すぎる」「人間味がない」と厳しく評したという。重厚で素朴な器を重んじる立場からすれば、薄く端正に仕上げられたリーの器は、理想とする陶芸から大きく離れていた。

リーも一時はリーチの作風に近づこうとした。しかし、やがて自らが培ってきた釉薬や制作方法へ戻っていく。当初批判された器体の薄さは、小さな高台とともに、のちにリーの器を代表する造形となった。

会場には、リーチや濱田庄司をはじめ、東洋陶磁と深く関わる作家たちの作品も並ぶ。量感のある土と、大胆な絵付けや掻き落とし。その近くでリーの器を見ると、薄く引き締まった輪郭と、形に沿って巡る細い線がいっそう際立つ。

1952年にイギリスで開かれたダーティントン国際工芸家会議には、日本から柳宗悦と濱田が招かれ、リーも二人と交流を深めた。とはいえ、リーの器がリーチや濱田と同じ方向へ向かったわけではない。その後もリーは、薄い器体と電気窯による焼成を続け、色彩とフォルムの関係を探っていく。

ハンス・コパーとの関係も、本展では紹介されている。陶芸の経験がなかったコパーは、リーの工房で陶製ボタンの制作を手伝いながら技術を身につけた。コパーの存在は、リーがロンドンで作陶を続けるうえでの支えにもなった。

ルーシー・リー《コーヒー・セット》1960年頃　国立工芸館蔵　撮影：エス・アンド・ティ フォト

撮影：黒目写真館　画像提供：東京都庭園美術館

二人はテーブルウェアを共同で制作しており、会場には共作の《コーヒーセット》や《カップ》のほか、リー単独の《コーヒー・セット》も並ぶ。その後、コパーは彫刻的な造形へ向かい、リーは色彩や線、釉薬とフォルムを一体化させた器を追求していった。

色と線、釉薬がつくる表情

1970年代以降になると、薄い器体が口縁に向かって大きく開き、小さく引き締まった高台を備えた形が、リーの鉢の基本となっていく。鮮やかな釉薬や、器面を走る細い線も、この時期の作品を印象づける。

ルーシー・リー《熔岩釉鉢》1980年頃　井内コレクション（国立工芸館寄託）　撮影：品野 塁

ピンクやブルーなどの鮮やかな色彩をまとった作品とともに、釉薬の質感を前面に生かした器も並ぶ。《熔岩釉鉢》では、釉薬の発泡によって生まれた穴や細かな凹凸が器面を覆っている。一般には欠点とされることもある現象が、ここでは器の表情になっている。鉢の輪郭は薄く滑らかなのに、表面は岩肌のように粗く、その対照が際立っている。

ルーシー・リー《ピンク象嵌小鉢》1975-79年頃　国立工芸館蔵　撮影：アローアートワークス

掻き落としや象嵌によって施された線は、リーの器に繰り返し登場する。鉢の広がりや丸みに沿って線が走り、器の形をよりはっきりと見せている。

この線文には、古代の土器との出会いが関わっている。リーはイギリスのエイヴベリーで、鳥の骨を使って線を刻んだ青銅器時代の土器を目にした。その装飾が、金属の針で器面を引っかく掻き落としや、刻んだ線に異なる色を入れる象嵌のヒントになった。

ルーシー・リー《白釉ピンク線文鉢》1984年頃　井内コレクション（国立工芸館寄託）　撮影：野村知也

なかでも印象に残ったのが、《白釉ピンク線文鉢》と《白釉青線象嵌鉢》だ。白釉を基調とした静かな器の内側に、ピンクや青の二重線による円がいくつも配されている。円の大きさはそれぞれ異なり、視線を移すたびに、白い器面にゆるやかな動きが生まれる。

三宅一生と日本での広がり

日本でリーの仕事が広く知られるきっかけをつくったのが、三宅一生だった。1989年、三宅の企画による「現代イギリス陶芸家　ルゥーシー・リィー展」が草月会館で開催された。会場設計は安藤忠雄、グラフィックは亀倉雄策、写真は石元泰博。陶芸展の枠を越えた顔ぶれだった。

同年、ISSEY MIYAKEの1989–90年秋冬コレクションでは、リーの陶製ボタンを用いた服も発表された。戦時下につくられた小さなボタンが、半世紀近くを経て再び衣服の一部となった。

その後、2010年、2015年にも大規模な回顧展が開かれた。本展は、国内では約10年ぶりとなる回顧展だ。

華やかな色彩、その先に見えるもの

東京都庭園美術館の本館は、1933年に朝香宮家の自邸として建てられたアール・デコスタイルの建築だ。大広間には、既存の建築に合わせ、本展のために深みのある暖色の曲面壁が設けられている。縦長のアーチ形の開口部の中央に《青釉鉢》が置かれ、鮮やかな青が周囲の暖かな色調から浮かび上がる。鉢の円形は、丸い展示台や天井照明の形とも重なる。

撮影：黒目写真館　画像提供：東京都庭園美術館

展示をたどったあとでは、華やかな色彩や洗練された形の印象も少し変わる。そこに至るまでには、いくつもの試みがあった。

リーチに批判された器体の薄さは、やがてリーの作品を特徴づけるものになった。古代の土器に刻まれた線や、釉薬に生じる穴や凹凸も、自らの表現に取り入れている。そうした過程を知ったあとでは、大広間の《青釉鉢》も、最初とは少し違って見えてくる。

開催情報
ルーシー・リー展―東西をつなぐ優美のうつわ―
会期：2026年7月4日（土）－9月13日（日）
会場：東京都庭園美術館（本館＋新館）
住所：東京都港区白金台5-21-9
開館時間：10:00－18:00（入館は閉館の30分前まで）
休館日：毎週月曜日
観覧料：一般 1,400円（1,120円）／大学生（専修・各種専門学校含む）1,120円（890円）／高校生・65歳以上 700円（560円）
※本展は日時指定予約制。
※中学生以下無料。
※（）内は20名以上の団体料金、事前申請が必要。
※身体障害者手帳・愛の手帳・療育手帳・精神障害者保健福祉手帳・被爆者健康手帳を持参の方とその介護者2名は無料（ミライロID含む）。
主催：東京都庭園美術館（公益財団法人東京都歴史文化財団）、東京新聞
企画協力：国立工芸館
特別協力：井内コレクション、京都国立近代美術館
お問い合わせ：050-5541-8600（ハローダイヤル）
ウェブサイト：www.teien-art-museum.ne.jp
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